WU LYF – ‘Go tell fire to the mountain’ (Nota: 4.5/5)

Os caras do WU LYF não gostam de você. Eles gritam contigo sobre morte, tocam bateria como se estivessem explodindo bombas nos seus ouvidos, envolvem você num som feito de ecos atordoantes e te dizem quem a vida é uma porcaria – afinal, você fatalmente vai abandonar seus sonhos de criança, arrumar um emprego fixo e se vender por um salário qualquer no fim do mês.

‘Go tell fire to the mountain’ é um disco sobre ser jovem e barulhento. E é praticamente uma bronca desse quarteto de Manchester, na Inglaterra, contra o establishment, o status quo, o capitalismo selvagem e todo mundo que não deixa você fazer o que você quer. É também uma abordagem um tanto ingênua de tudo isso, mas expressa de uma maneira excepcional pelos grunhidos do vocalista Ellery Roberts.

Os gritos cortantes são os primeiros impactos do álbum, que foi lançado esse mês pelo WU LYF (que se pronuncia ‘woo life’, em inglês, e significa World Unite Lucifer Youth Foundation). Só com a ajudinha do site da banda é possível entender, por exemplo, que o verso cantado como kee-a-caah / ti-ahs-daah em ‘Dirt’ (essa do clipe espetacular no começo desse post) deve ser entendido como keep on calling / until it all falls down.

Poderia ser um artifício idiota, se esses grunhidos não fossem acompanhados por arranjos melodiosos e quase espirituais, liderados por um órgão e uma guitarra sem um grau de distorção, que poderia ter sido copiada de um disco instrumental de post-rock (primeira referência: Explosions in the Sky).

No caso do WU LYF, esse contraste cria um ambiente de angústia, com um cara berrando sobre separações, sobre o medo da morte e sobre tudo o que você abandonou pelo dinheiro, por exemplo (It’s a sad song that makes a man put / money before life, em ‘We Bros’). O som é ainda mais envolvente nesse disco porque foi todo gravado dentro de uma igreja nos subúrbios de Manchester, com um espaço que provoca uma reverberação que torna essa melodia ainda mais incômoda.

OBS: Achei que existe, na soma dessas ferramentas (gritos, batida, eco, angústia), algo que lembra ‘Feels’, álbum de 2005 do Animal Collective – sem os sintetizadores, claro.

É um disco que tem tudo pra ser um dos melhores do ano, e que pode ser obscurecido por uma jogada de marketing/babaquice da banda, que faz questão de ser contra qualquer coisa que possa lhes dar sucesso. Dizem que eles recusaram dezenas de pedidos de entrevistas, se negaram a fazer shows e até esnobaram o diretor Michel Gondry, que pensava em gravar um clipe com eles. O quarteto também faz questão de divulgar que gravou o disco com o próprio dinheiro (apesar de ter assinado contratos com distribuidoras) e parece até se opor ao fato de estar fazendo sucesso exatamente por causa da aura de mistério que criou em torno de si.

“Toda essa cultura do ‘hip’, dos 15 minutos de fama… Temos certeza que um monte de gente pensa isso sobre a gente, porque leu sobre nós em um site que nutre esse modelo da coisa-mais-nova-super-hip. E isso é algo a que nunca aspiramos – e quando aconteceu, tentamos simplesmente ignorar. Queremos que o WU LYF seja mais que uma banda, da mesma maneira que o FC Barcelona é ‘mais que um clube’“, escreveu o grupo no site oficial.

Eis mais um motivo pelo qual eles não gostam de você: você é um hipster que descobriu que eles existem. Mas faça um favor a si mesmo e não decida esnobá-los por vingança.

Para ouvir agora
‘Spitting Blood’
‘L Y F’

Bruno Boghossian – O Estado de S. Paulo [publicado em 19 de abril]

INDIO - A onda de balões gigantes que despencaram do palco principal do Coachella Valley Music and Arts Festival, no fim da noite de sábado, 16, é a tradução certeira do simbolismo dos três dias de música para centenas de artistas e milhares fãs que migram todos os anos para o deserto da Califórnia. As centenas de bolas coloridas por luzes LED criaram uma atmosfera quase onírica nos últimos minutos da apresentação do Arcade Fire, quando os canadenses puxaram o coro que abre Wake Up, canção de seu primeiro álbum.

Com mais de 180 bandas em três dias de shows, a 12ª edição do evento manteve a tradição de consagrar artistas emergentes, celebrar retornos e apresentar bandas desconhecidas para o público de 75 mil pessoas que vagava pela grama seca, sob um calor de 38 graus. Este ano, o gigantesco palco principal recebeu multidões que queriam ver a primeira apresentação dos Strokes em um grande festival depois do lançamento de seu polêmico quarto álbum, o som caipira dos novatos do Mumford & Sons e a egotrip do rapper pop Kanye West.

O destaque, no entanto, ficou mesmo com a performance memorável do Arcade Fire, no sábado. Transbordando prestígio, surfando na conquista do prêmio Grammy de melhor álbum e com o status de atração principal da noite, a banda arrastou um dos maiores públicos do festival para o Coachella Stage, decorado com letreiros de cinema e um telão que exibia filmetes relacionados ao último disco da banda, The Suburbs. Com um sorriso bobo no rosto, o vocalista Win Butler parecia não acreditar na multidão que se espalhava diante dele, iluminada pela lua cheia.

“Se vocês tivessem falado, em 2002, que um dia nós seríamos uma das atrações principais do Coachella, eu teria dito que vocês estavam brincando”, confidenciou o líder da banda, logo no início da apresentação.

Sem medo de arriscar, o grupo mostrou versões explosivas de Rebellion (Lies), Power Out e Tunnels, do disco de estreia da banda, além de Ready to Start e We Used to Wait, do álbum mais recente. Depois da chuva de balões gigantes, já no bis, a banda encerrou o show de 1h30 com Sprawl II, cantado por Régine Chassagne.

No domingo, os Strokes mostraram que conseguiram manter o DNA roqueiro, com seus tradicionais vocais abafados e as melodias alegres desenhadas por suas guitarras. A atmosfera eletrônica predominante no último disco da banda, Angles, apareceu pouco no show do Coachella, que teve a óbvia presença de hits mais antigos, como Last Nite, Someday e Reptilia.

A banda provou estar confortável para apresentar um som mais improvisado, a ponto de o vocalista Julian Casablancas entrar propositalmente atrasado em alguns versos, alongar algumas notas e até permitir um certo desafino – características que não eram vistas nas apresentações quase assépticas feitas na passagem da banda pelo Brasil, em 2006.

O comportamento mais solto de Casablancas, no entanto, se resumiu à música. Como showman, esteve distante dos fãs e transpareceu arrogância ao demonstrar incômodo por ter sido escalado para tocar antes de Kanye West – apesar de a banda ser considerada uma das principais atrações do festival. “Vocês estão animados para ver o Kanye? É sério?”, provocou o músico.

O rapper não só encerrou uma das noites, mas foi o escolhido para fechar o festival, com mais uma oportunidade para mostrar que é campeão no quesito ego inflado. Kanye começou a apresentação sobre um guindaste, flutuando sobre o público para dar início a uma ópera em três atos, que parecia homenagear apenas a grandiosidade do próprio músico. Com duas dezenas de bailarinas, fogos de artifício e uma sequência de canções que tentou resumir toda sua carreira, o astro falastrão usou o Coachella como um espaço de redenção.

“Quando estava trabalhando no último álbum, eu dizia que esse era o lugar em que eu mais queria tocar. Agora eu vejo que vocês ainda me amam apesar de eu ter visto o contrário na TV. Eu só tento dizer e fazer o que é certo”, desabafou o rapper, na metade do show.

A aura de popstar exagerada de Kanye constrastava com a aparente humildade da novata banda inglesa Mumford & Sons, que regeu um enorme coro no palco principal. Com um som caipira conduzido por banjo, violão e baixo acústico, o grupo se mostrou surpreso com o tamanho inesperado da plateia.

“Esse é, de longe, o maior show que nós já fizemos”, exclamou o tecladista Ben Lovett.

Chamando o público a bater palmas no ritmo da música, o grupo transformou o gramado em uma quadrilha ao tocar as canções do disco Sigh No More (2009), e apresentou canções novas, praticamente sem o som do banjo e com o vocalista Marcus Mumford na bateria. Guardado até o fim, o hit The Cave emocionou os fãs da banda no encerramento do show.

Entre sexta-feira e domingo, mais de 60 shows dividiam o público a cada dia, em seis palcos espalhados pelo gramado de um campo de polo na cidade de Indio, a cerca de duas horas de viagem de Los Angeles. Os nomes mais importantes se apresentavam no Coachella Stage e no Outdoor Theatre, ambos ao ar livre, sob o sol agressivo que queimava as nucas dos fãs. Muitos preferiam se proteger nas três grandes tendas, todas batizadas com nomes de desertos: Gobi, Mojave e Sahara. Um palco menor e semi-aberto, o Oasis Dome, completava a estrutura.

No clima quase praiano, mulheres de biquíni e jovens com óculos coloridos se misturavam com rapazes de calças justas e grupos fantasiados. Em um esquema VIP, com sombra e água gelada, circulavam celebridades como as cantoras Rihanna e Katy Perry, a atriz Kirsten Dunst, o ator Robert Downey Jr. e a socialite Paris Hilton.

Na sexta-feira, boa parte do público se concentrou para ouvir Chemical Brothers, o soul de Lauryn Hill, o rock clássico da dupla Black Keys e o som sulista do Kings of Leon. Quem abandonou os últimos minutos do show da última banda para ouvir a batida eletropop misturada à voz aguda da sueca Robyn encontrou uma tenda Mojave lotada, com fãs que pulavam e acompanhavam os movimentos robóticos da cantora.

Um dos grandes destaques do dia foi a dupla nova-iorquina Sleigh Bells, que fez um dos shows mais explosivos do festival. Movida por uma batida que não deixa nada a dever aos pancadões do funk carioca, a vocalista Alexis Krauss esbanjava energia ao saltar pelo palco, cantando docemente ao som distorcido da guitarra do companheiro, Derek Miller.

A cota alternativa do dia foi bem servida pelo som punk lo-fi do Titus Andronicus, a psicodelia do Tame Impala e o indie pop do The Pains of Being Pure at Heart. Mais tarde, o público acompanhou também apresentações solo de Brandon Flowers (vocalista do The Killers) e Kele Okereke (líder do Bloc Party).

Famoso por manter a pontualidade de suas apresentações, o Coachella fez uma vítima entre seus convidados mais populares. Depois de subir no palco a apenas 20 minutos do horário marcado para o fim de seu show, o músico Cee-Lo Green fez uma apresentação esbaforida, reclamando da afinação da banda. O público que resistiu ao atraso só ouviu cinco músicas – entre elas uma versão irreconhecível de It’s OK, o hit Crazy (que gravou em 2006 com o Gnarls Barkley) e seu carro-chefe, Fuck You. Quando a banda ameaçou emendar um cover de Don’t Stop Believing, da banda Journey, estourando o tempo dedicado a ele, o som foi cortado pelos organizadores do evento.

O atraso também prejudicou o rapper brasileiro Emicida, que, depois de enfrentar uma batalha para conseguir o visto para entrar nos EUA, chegou tarde demais à Califórnia e perdeu o horário de seu show, marcado para 15h. Apesar dos problemas, subiu ao palco do Oasis Dome perto de meia-noite e mostrou suas rimas ácidas para o público de pouco mais de 20 pessoas que ainda estava por ali – a maioria do Brasil.

Cheio de grandes nomes, o sábado foi marcado por shows lotados. Além de Arcade Fire e Mumford & Sons, destacaram-se no palco principal o supergrupo canadense de indie rock Broken Social Scene (que empolgou o público com canções recentes, como World Sick, e antigas, como 7/4 Shoreline) e a apresentação emocionante do Bright Eyes, liderado pelo melancólico multi-instrumentista Conor Oberst.

No mesmo espaço, o grupo de rock experimental Animal Collective chegou avisando: “viemos para trazer coisas esquisitas… e diversão”. O palco foi decorado com três cubos gigantes com painéis de LED em cada uma das faces, telões que exibiam imagens psicodélicas e luzinhas que percorriam até as estruturas de metal, que tremiam a cada batida grave disparada pelo sistema de som.

O público que enfrentou o sol pulou ao ouvir o punk cigano do Gogol Bordello, velho conhecido dos brasileiros. Vestindo a camisa do Fluminense, o vocalista Eugene Hütz comandava a festa, que teve dança cossaca, samba e uma grande roda no gramado do palco principal. Também por ali, Erykah Badu cantou com com sua big band, dizendo estar feliz por voltar a se apresentar nos EUA.

As tendas ficaram cheias com os shows de Foals, Yelle, Scissor Sisters e Suede. Outros destaques do dia foram o rock alternativo dos britânicos do Elbow e o folk do sueco Tallest Man on Earth, com suas voz inconfundivelmente inspirada em Bob Dylan. O Brasil foi representado mais uma vez no sábado, com o duo eletrônico The Twelves e o drum’n'bass do DJ Marky.

A escalação do último dia do evento obrigou artistas populares a competirem com as grandes estrelas da noite. Enquanto os Strokes começaram a se apresentar no palco principal, o som eletrônico do Chromeo já tocava a poucos metros dali, no Outdoor Theatre, e a cantora PJ Harvey precisou competir com o longo show de Kanye West.

Entre as atrações principais, os músicos do Duran Duran mostraram que ainda são os mesmos, inundando o palco com o som pop de seus sintetizadores. Como se estivessem nos anos 80, tocaram canções como Hungry Like the Wolf, Notorious e Rio acompanhados por uma plateia formada principalmente por jovens.

Sob a luz do pôr-do-sol, o The National fez no Coachella praticamente a mesma apresentação vista na turnê da banda pelo Brasil, há duas semanas. A banda ouviu o público cantar Bloodbuzz Ohio em coro na abertura e encerrou o show com Terrible Love, acompanhada pelo músico Justin Vernon em uma das guitarras.

A representante brasileira do domingo foi a banda paulista CSS, que levou centenas de pessoas para a tenda Mojave no meio da tarde, com uma performance ultra-entusiasmada da vocalista Lovefoxxx. A líder do grupo se jogou quatro vezes sobre a plateia, arrancou as calças e pulou de um lado para o outro por quase 50 minutos, acompanhada pelo público nos hits Alala e Let’s Make Love.

Os outros destaques de domingo foram o rock pesado do Death from Above 1979, o som ensolarado do Best Coast e o eletrorock com nuances experimentais do Delorean.

As guitarrinhas da banda inglesa The Vaccines só se fizeram ouvir essa semana porque, há dez anos, os Strokes lançaram um disco mal-ajambrado que moldou a maneira como eu e você ouvimos música hoje. E hoje, no entanto, o mesmo quinteto nova-iorquino que estourou com a ingênua ‘Last nite’ tenta se afastar dos riffs repetitivos e do som sujo que tinha se tornado a marca de um novo gênero ‘rock’ que eles supostamente haviam ajudado a fundar.

Com o tempo, a música muda, o nosso gosto musical muda e o que se chama de mainstream muda. Algumas bandas mudam seus sons e outras continuam baseadas na mesma fórmula – ou porque esse é o estilo delas ou porque querem continuar vendendo produtos e fazendo shows lotados. Qual delas parece mais legítima? Será que, quando se fala de música, nós queremos ouvir sons novos ou só queremos ‘novidades’?

Os Strokes vêm mudando de estilo há dois álbuns – e isso ficou óbvio no último disco da banda, ‘Angles’, que vazou domingo na internet. Eles não se transformaram por coragem, pra apostar num som de vanguarda ou pra vender discos. O novo disco dos Strokes só é do jeito que é porque o vocalista Julian Casablancas mergulhou numa egotrip eletro-oitentista no ano passado, quando resolveu lançar seu primeiro disco solo. É simples assim: uma viagem criativa que tomou conta do cara.

Não é que o ato de mudar tenha sido ruim, mas o resultado foi um erro. Os primeiros versos de ‘Machu Picchu’, a faixa que abre o disco, podem fazer qualquer um querer desistir de ouvir o que vem pela frente. A canção é uma sucessão de arranjos eletrônicos banais, riffs de guitarra repetitivos e um vocal um tanto prepotente, o oposto do estilo angustiado mas despreocupado que fez de ‘Last Nite’ um hit em 2001.

O curioso desse disco é que mesmo as faixas que mantiveram o DNA da banda têm uma pegada muito mais pop, como é o caso de ‘Under the cover of darkness’ (o hit nato do álbum) e ‘Gratisfaction’. O estilo lo-fi do grupo ficou pra trás, com um som mais bem produzido, mas eles mantiveram os mesmos solos simples e as mesmas letras com temas pós-adolescentes.

O que me incomodou de verdade foi que a incursão da banda nos campos do eletropop é superficial ao extremo. ‘Two kinds of happiness’ pode ser confundida com uma faixa ruim do Duran Duran. As repetições propositalmente incômodas de ‘You’re so right’ deram origem a uma ‘Take it or leave it’ piorada. E ‘Taken for a fool’ é mais uma aposta equivocada no estilo-videogame (você acha que o universo seria bom o suficiente para impedir uma faixa que parece ter influências do último disco do MGMT até topar com isso).

É claro que os Strokes não precisam se manter os mesmos para sempre, mas nem toda mudança é bem feita. No caso desse disco, não foi. Sem o currículo que a banda tem, esse álbum daria de cara na porta de qualquer gravadora e não geraria mais que uns 300 hits no MySpace.

Acho que é por isso que às vezes a gente se sente mais confortável ao ouvir uma banda nova que ao ver a transformação de uma banda que a gente já conhece. Nessa onda, o disco que o Vaccines soltou essa semana (‘What did you expect from the Vaccines?’) é uma diversão, apesar de ser um som absolutamente irrelevante. É uma banda que rima ‘F. Scott Fitzgerald’ com ‘Morning Herald’ em um foguete de 1 minuto e 21 segundos que abre seu disco de estreia, a faixa ‘Wreckin’ bar (ra ra ra)’.

Em comparação, o grupo parece esbanjar uma juventude legítima, que os Strokes obviamente não têm mais. São mais despreocupados e mais instintivos, apesar de menos sofisticados. Esse tema é evidente nas letras das estimulantes-porém-simplistas ‘Wetsuit’ (‘If at some point we all succumb / For goodness sake let us be young’ e ‘Put a wetsuit on / Grow your hair out long / Put a t-shirt on / Do me wrong, do me wrong, do me wrong’) e ‘Family friend’ (‘You wanna get young but you’re just getting older / And you had a fun summer but it’s suddenly colder’).

Mais um ponto a favor dos Vaccines é que eles bebem de fontes menos arriscadas que a música eletrônica dos anos 1980. Apesar de fazerem referências a Ramones em ‘Norgaard’, a sonoridade da banda está fincada no gênero desnecessariamente batizado de pós-britpop, que tinha como referência bandas como The Hives, The Vines e até os americanos Strokes. Nessa área, ‘What did you expect from the Vaccines?’ tem ecos de Kaiser Chiefs (em ‘If you wanna’) e Glasvegas (em ‘Under your thumb’).

Ouvir The Vaccines ajuda a entender The Strokes hoje. Mais que uma série de referências e um oceano que separam as duas bandas, dá pra entender que o que afasta os nova-iorquinos do som original é a maturidade – e ficou claro que o som de uma banda moderninha como os Strokes não resiste inabalado a uma década inteira.

The Strokes | ‘Angles’ | 1.0 / 5
The Vaccines | ‘What did you expect from the Vaccines?’ | 2.5 / 5

Difícil prever exatamente quantas canções o quarteto vai levar pro palco paulista, mas é bom torcer pra ver algumas faixas do álbum United (2000), que guarda muitas semelhanças com o último disco do grupo.

Isso é o que eles tocaram em um show na Flórida, no dia 27 de outubro…

1) ‘Lisztomania’ (Wolfgang Amadeus Phoenix)
2) ‘Lasso’ (Wolfgang Amadeus Phoenix)
3) ‘Long Distance Call’ (It’s Never Been Like That)
4) ‘Fences’ Play Video (Wolfgang Amadeus Phoenix)
5) ‘Girlfriend’ (Wolfgang Amadeus Phoenix)
6) ‘Armistice’ (Wolfgang Amadeus Phoenix)
7) ‘North’ (It’s Never Been Like That)
8) ‘Love Like Sunset’ (Wolfgang Amadeus Phoenix)
9) ‘Too Young’ (United)
10) ‘Rally’ (It’s Never Been Like That)
11) ‘Rome’ (Wolfgang Amadeus Phoenix)
12) ‘Funky Squaredance’ (United)
13) ‘Run Run Run’ (Alphabetical)
14) ’1901′ (Wolfgang Amadeus Phoenix)

Razões para explicar tamanha eficiência e rapidez na venda são muitas: o entusiasmo dos fãs; o sucesso de público e organização do show da última segunda-feira; as facilidades do processo de compra dos ingressos, via Pay Pal; a carência de bons shows internacionais no Rio; e o apoio de parceiros como o Multishow (que comprou 80 cotas) e as agências SRCOM (20) e Click Isobar (40).

Melhor ainda, os fãs que contribuíram com o projeto poderão assistir ao show de graça. A mobilização do público carioca foi tanta que a expectativa é de casa cheia para o dia 12/11, no mesmo Circo Voador – e, arrisco dizer, os ingressos devem esgotar antecipadamente. Mais uma vez, a mobilização carioca foi notável e, com a mesma seriedade vista nesses dois exemplos de sucesso, a tendência é que o Rio possa voltar a fazer parte da agenda de shows internacionais. Os organizadores da empreitada, como se pode ver no Urbe, já criaram uma conta no Twitter, o Queremos, para futuras campanhas de shows na cidade. A ideia é ficar atento e colaborar. Enquanto isso, não custa nada sentir orgulho desse mosaico cheio, né?

O show já tem data e local para acontecer, dia 12 de novembro, no Circo Voador, mas ainda faltam R$ 56 mil pedidos pelos produtores do grupo para garantir o show no Rio. Para levantar esse valor, criou-se o (http://www.queremosbasnorio.com.br/), em que fãs da banda procuram vender 280 ingressos a R$ 200 cada, até essa sexta-feira (24/09), para garantir a confirmação do show e pagar o cachê da banda. Vencida essa etapa, começará a venda de ingressos ao grande público, em que são necessários ao menos 840 ingressos a R$ 100 para que os 280 “promoters” sejam reembolsados dos R$ 200 pagos inicialmente (verão o show de graça!). Em pouquíssimo tempo, oito pessoas já compraram os ingressos referentes ao cachê do Belle & Sebastian. A expectativa é que haja o apoio de empresas na organização do show (limitado a 50% das unidades totais), o que diminuiria a quantidade mínima de ingressos para viabilizar o show, da mesma forma como ocorreu com o Miike Snow, em que houve a participação da Tecla Music, Grupo Matriz, Das Duas e do canal Multishow.

Para quem ainda precisa de um incentivo para participar, segue o vídeo de “The Boy With The Arab Strab”, do show do B&S no Rio em 2001.

Fãs fazem ‘vaquinha’ para levar banda sueca ao Rio
Amigos juntaram R$ 20 mil para bancar apresentação da banda sueca Miike Snow

Bruno Boghossian / RIO

Quer ver a apresentação de uma banda ao vivo, mas ela não vai à sua cidade?  Tente comprar o show.  No Rio, um grupo de amigos arrebanhou 60 fãs do trio sueco Miike Snow e fez uma “vaquinha” para pagar o cachê do grupo, que vem ao Brasil para tocar em São Paulo (22/9), Porto Alegre (23/9) e Recife (24/9).  Depois de arrecadarem R$ 20 mil, com o apoio de quatro empresas, conseguiram fechar uma apresentação da banda no Circo Voador no dia 20.

O objetivo era evitar que mais um artista internacional de pequeno porte se afastasse dos palcos cariocas devido ao receio de falta de público e de prejuízo para os produtores de eventos.  Saltando uma etapa, os cinco amigos começaram uma campanha para dividir os custos do show e pediram que cada fã pagasse R$ 200 para garantir a apresentação da banda de electropop no Rio.  Como o objetivo não é ter lucro, se o valor obtido com a venda de ingressos superasse os custos do show, os “investidores” seriam reembolsados.

“O maior lucro que a pessoa pode ter é ir ao show de graça.  E o pior que pode acontecer é que 60 fãs paguem R$ 200 pelo ingresso.  O risco do projeto é só esse”, avalia o jornalista Bruno Natal, que capitaneou o projeto ao lado do produtor Pedro Seiler, do fotógrafo Lucas Bori, e dos diretores Tiago Lins e Felipe Continentino.

A repercussão do projeto e a vontade de trazer a banda ao Rio eram tão grandes que, em pouco mais de 24 horas, o grupo já tinha conseguido o valor necessário.  Como quatro patrocinadores se dispuseram a associar suas marcas ao projeto, pagando R$ 2 mil cada, será necessário vender apenas 480 ingressos (a R$ 50 cada) para reembolsar os 60 participantes da vaquinha e pagar os custos dos equipamentos de som, iluminação e segurança.

Responsável pela programação do Circo Voador, o produtor Alexandre Rossi abraçou a proposta e passou a apostar no modelo como uma nova maneira de promover a realização de shows na cidade.

“Muita gente gasta R$ 400 para viajar a São Paulo para assistir a um show e nem imagina que pode fazer algo assim”, afirma. “É a primeira vez que eu vejo uma proposta desse tipo partir do público. É um modelo que pode ser aplicado em outros casos, porque, se nós não fizermos isso, não há renovação no Rio e esse tipo de atividade vai acabar.”

Rio já ‘perdeu’ shows para outras cidades

Para evitar prejuízos, produtores de eventos deixaram de apostar no Rio para shows de bandas pouco conhecidas, que passaram a migrar para outras cidades do País. Os franceses do Phoenix, escalados para o festival Planeta Terra, tinham uma data reservada para tocar na capital fluminense, mas receberam uma proposta melhor para uma apresentação em Belo Horizonte.

O grupo carioca que tomou a iniciativa de contratar a banda Miike Snow por conta própria acredita que o novo modelo é uma maneira de “tirar a cidade da inércia” e quebrar um círculo vicioso “segundo o qual o Rio não teria público que justificasse a vinda de artistas que não sejam consagrados”.

“Eu costumo ir a São Paulo no mínimo 10 vezes por ano para ver shows. Quando soubemos de mais uma banda que estaria no Brasil e não viria ao Rio, começamos a conversar sobre isso e surgiu a ideia”, conta o produtor Pedro Seiler.

Descobri outro dia essa dupla batizada de Chiddy Bang – dois caras de 19 anos da Filadélfia que resolveram fazer um pouco de hip hop misturado com aqueles chicletes do eletropop que você não aguenta mais escutar em festa nenhuma. Acredite: eles conseguiram ressuscitar essas faixas e criaram um som bem divertido.

Chiddy Bang – ‘Truth’ (sample de ‘Better things’ – Passion Pit)

Chiddy Bang – ‘The opposite of adults’ (sample de ‘Kids’ – MGMT)

A primeira faixa tem um clipe sensacional e abusa dos tons eletrônicos para dar uma cor nova à grudenta ‘Better thing’, do Passion Pit. A segunda também tem um clipe bom de se ver e um rap nada hermético, que você até pode apresentar pros seus pais, se quiser.

Aproveita. E pra ler mais algumas barbaridades infundadas sobre o tema e ouvir um pouco de música boa, clica aqui embaixo.

Exagerando um pouco, dá pra dizer que a explosão do mashup foi uma grande revolução para a mixagem na última década e um dos grandes trunfos da música pop desse período. Músicos como o americano Greg Michael Gillis (vulgo Girl Talk) faziam montagens com uma velocidade assustadora, juntando 23 canções em uma faixa de menos de 4 minutos e mostrando que era possível fazer música nova com hits batidos.

Exagerando mais: a popularidade desse estilo de criação pode ter quase enterrado o remix, deixando-o restrito a um nicho que só é sustentado por fãs de música eletrônica. Com os ases que conseguiam metralhar 300 canções por minuto nos seus ouvidos, o artista que arriscava um sampling vez ou outra, juntando uma ou duas canções a uns versos novos, ficou esquecido.

Não que os últimos 10 anos não tenham ouvido remixes sensacionais e hits que só grudaram na cabeça das pessoas por causa dos samples que tinham. É só lembrar de “Stronger”, do rapper americano Kanye West, que se transformou em uma das faixas mais importantes dos últimos tempos graças a um sample vocal de “Harder, Better, Faster, Stronger”, do duo francês Daft Punk.

Tanto o sampling e o remix quanto o mashup vão sobreviver por muito tempo, enquanto houver gente boa e absolutamente perfeccionista que saiba contar batidas e analisar cada tom. Esse último estilo ainda tem um nariz de dianteira ao permitir que você ouça, na mesma faixa, Ace of Base, Cat Stevens, 50 Cent e Fergie, como arrisca o Girl Talk.

Você também pode ouvir as bizarrices geniais que saem das mentes de gente como o João Brasil, que já criou um disco inteiro remixando the xx com uns proibidões cariocas, e curte misturar Radiohead a um funk deprimente de ruim. Vira coisa boa, mas não vá mostrar pros seus pais.